关于器乐曲写作的建议

关于器乐曲写作的建议

RAX XURAX XU

原答案:如何器乐化写作? - 知乎

器乐化的作曲和其他的古典音乐作曲没有本质区别,写的都是音乐能有什麽区别。器乐化只是说用指定的乐器进行创作,它的结构一般会比艺术歌曲更加複杂(如果是大型作品的话)。

感到创作有困难应该也和风格无关。古典音乐内部的风格之差别没有古典音乐和流行音乐的区别那麽大,有点类似于国内不同地区的方言,但是都属于汉语(当然你要抠细节同一时期的不同作曲家风格差异都可以很大)。所以既然题主说自己写古典没问题,写印象主义和更现代派一点的和声风格却下不了手,这是令我感到有些诧异的。毕竟没有人会说自己能解函数却算不来方程。

作曲,理论知识只是用来学习音乐的工具,最终还是要返回到学习音乐上。如果你感觉下不了笔,那麽必然是听得太少,分析得太少。积累的量够了,才会有输出的可能。所以每天大量听分析和写吧!与此同时创作上的练习也应该跟上,能写多少算多少。

如果你并不热爱音乐,或者只是想写作品参赛,那麽以下内容就不用阅读了。

有两件事情我想强调,一是不要把关注点放在怎麽把织体写的複杂,二是不要着力于拓展自己的和声风格。我知道上面两点思路在音乐学院裡很常见,但是我个人并不推崇这样的作法。

古典音乐的创作说到底还是为了写出好听的旋律。但是这句话的涵义很丰富,除了主旋律,还有多个隐藏在内声部的旋律线条以及低音旋律,它为发展音乐材料提供了更大的空间,丰富了音乐的涵义和节奏律动。这才是织体伴奏音型存在的价值,并不是表面的追求复杂。有的音乐家的织体复杂,是音乐需要,而且他们的音乐建立在良好的主旋律基础之上,属于更高层次的追求。说实话这种水平一般人真心是做不到的,一个学生如果一来先追求织体是本末倒置。

另外伟大作曲家们的和声风格并非表面的用了些什么和弦那么简单,他们的这些和声手法和他们相互不同的音乐性是联系在一起的。和上面同样的道理,学生一开始应该注重于写出好听的旋律而不是所谓开拓自己的和声风格。如果以为学了一下作曲家们的和声配器风格和发展音乐材料的方法就叫掌握了那必然是图样,所以不要耻于模彷。如我上面所说,古典音乐是多层次的,你用你自己所谓的新和声语言能否保证做到旋律的好听和多层次的平衡?你学过去的风格,至少你卡壳了有得参考。

接下来举两个例子。都是我写的一些曲子,水平不高,请见谅。

既然题主说自己已经具备了一定的和声能力,那么我们来聊聊学过和声之后到作曲中间的事。其实和声写作的本质就是作曲,只不过是抽象化的,以训练为目的的,规则更加严格。但是和作曲本质上没有区别,所以和声学习的终极目标就是能写出和伟大作曲家门一样漂亮的和声,这比很多人以为的学和声的难度要高太多了。

在能保证一定的和声基础上再来说说如何扩展出织体。有不少初学者会按照流行音乐的思维方式非常机械地一小节一个和弦或者两小节一个和弦。这种方式也不是说一定有错,但是总的来说你需要主旋律+和声节奏上的变化来丰富整个节奏律动。就算是很多流行歌曲现在也有更加丰富的和声节奏。而且和声节奏一丰富,你也不用担心织体仅仅拘泥于柱式和弦和分解和弦这两种形式(也不是说这两种简单的织体形式没有意义,和声本身层次是否丰富均衡跟用什么织体就没有必然联系,巴赫贝多芬经常直接用非常漂亮的柱式和声)。

比如下面这个曲子,虽然第六小节开始的部分伴奏是简单的分解和弦,但是后面改变了它的方向和音高位置,这就是一种同一种基本伴奏音型下的变化。另外前四小节的主题各两小节,第一三小节基本上一个音一个和弦,第二四小节基本上一拍一个和弦。前两小节主要是更薄的双声部对位,到后两小节加重了和弦带来的整体厚度。

这是我写的另一个曲子,旋律很简单,但是内声部我也安排了一些小旋律,虽然不像复调那样旋律独立性比较强,但是也是有非常清楚的旋律层次,在真实的演奏过程中也需要把这些不同层次的旋律同时展现出来。


只要能够写好一个乐段,那么后续就可以考虑拓展自己的长度了。其实一般体裁的小型曲式不需要太多作曲上的设计,如何变化发展动机,不少曲子其实从曲式上来说还是将不同主题的片段非常自然地拼接在一起,偶尔会有一些不同主题相互融汇的部分,真正需要大量作曲设计的还是类似于奏鸣曲式这种结构。目前的主要精力还是应该放在训练自己的旋律写作上,否则基础性的东西还没提升好就去想着复杂织体和大型曲式,最后写出来只能是老太婆的裹脚布。

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